Claude Monet ist weithin bekannt als Maler von Serien, eine künstlerische Praxis, die er in den 1880er Jahren begann und bis zu seinem Tod 1926 systematisch weiterverfolgte. Präsentiert wurden diese zumeist als Ensembles in Galerien von Kunsthändlern, wie etwa die berühmte Serie der „Getreideschober“, die 1891 mit 15 Leinwänden bei Paul Durand-Ruel in Paris ausgestellt war, um anschließend als Einzelstücke in die ganze Welt verkauft zu werden.
Monet löste damit die jahrhundertealte Spannung zwischen künstlerischer Originalität und effizienzsteigernder Serienproduktion für den freien Markt. Denn einerseits waren die Wahl des Bildmotivs, nahezu abstrakte Komposition und offene Faktur ästhetisch durchaus radikal, andererseits entsprach die Wiederholung (répétition) eines extrem reduzierten Sujets durchaus dem Markterfordernis ressourcenschonender Studiopraxis. Zwar arbeitete Monet nicht arbeitsteilig, wie jene altniederländischen Werkstätten, die durch reproduktive Verfahren erfolgreiche Prototypen – z. B. für private Andachtsbilder – in diversen Abwandlungen mehrfach verwerteten. Aber die oft minimalen atmosphärischen Veränderungen, die das Multiple zum Unikat machen sollten, waren für die Zeitgenossen mitunter nicht mehr als Legitimation erfolgreicher Vermarktung.
In diesem Vortrag möchte ich anhand der von Michael Montias in die kunsthistorische Debatte eingeführten Konzepte von „Prozessinnovation“ und „Produktinnovation“ die Serienbilder von Claude Monet neu bewerten. Es stellt sich die Frage, inwiefern repetitive Arbeitstechnik, schlüssige Präsentation und private Vertriebs- bzw. Verwertungskanäle miteinander in Beziehung gesetzt werden können. Obwohl die Kunstmarktforschung in den letzten Jahren zu einem weiten Feld der Kunstgeschichte angewachsen ist, gibt es weiterhin kaum Studien zum „Einfluss ökonomischer Faktoren auf Stil“ (Montias).